Une introduction au portrait

Prenez quelques repères historiques et techniques sur le portrait avant de vous lancer ! Remontez aux origines du portrait dans l’histoire de la photographie. Explorez les usages sociaux du portrait et (re)découvrez quelques grands portraitistes.  

Des anthologies pour une vue d’ensemble

Phillip Prodger, Alter ego, une histoire du portrait en photographie, Textuel, 2021

Philip Prodger est historien d’art et directeur à la National Portrait Gallery de Londres. Il explore en 250 photographies la diversité des intentions du portrait: fidélité au visage, relation au modèle, mise en scène de soi. Il questionne aussi la pertinence de la photographie à représenter l’identité humaine. Publié en 2021, c’est un bon point de départ, érudit et accessible, sur le portrait comme genre artistique. 

Max Kozloff, The Theatre of the face, portrait photography since 1900, Phaidon, 2007  

Ouvrage de référence essentiel pour qui veut appréhender de façon complète (et en anglais) l’histoire du portrait, The Theatre of the face embrasse tout le XXe siècle en convoquant les principales figures du genre, des pionniers aux classiques, mais en envisageant également des photographes moins connus. Divisé en six chapitres thématiques et chronologiques, ce grand « théâtre du visage » est raconté dans un style personnel, Max Kozloff voulant surtout dévoiler des « histoires de portraits« . 

Revue Exit n°87, Portrait typologies, juillet 2022 

L’excellente revue espagnole Exit nous propose un numéro consacré au portrait, s’attachant plus spécifiquement à montrer le travail de photographes de la fin du XXe et du XXIe siècles. En préambule, un essai de Rosa Olivares qui analyse l’utilisation du portrait dans la photographie par différents artistes tels que Germán Gómez, Thomas Ruff ou Catherine Opie. La section portfolio offre le travail de Céline Bodin, Matthew Leifheit, Rubén Martín de Lucas, Soumya Sankar Bosey et Dana Ariel entre autres, soit quelques représentants de la nouvelle génération de photographes. 

Le portrait, du noir et blanc à la couleur : quelques exemples majeurs 

Nicolas Chaudun, Camera obscura, Premiers portraits au daguerréotype (1841-1851), 2007

Ce catalogue d’exposition du Quai Branly livre trente images réalisées principalement par Charles Guillain (1808-1875), Henri Jacquart (1809-après 1873) ou bien encore Louis-Auguste Bisson (1814-1876), auteur du fameux portrait d’Honoré de Balzac. Ces clichés primitifs des années 1840 constituent donc les premiers portraits photographiques concernant des non-européens (d’Afrique ou des iles Canaries). Destinées à être exploitées à des fins scientifiques, ces images fantomatiques obtenues grâce à la chimie complexe du daguerréotype permettent de nous projeter dans les balbutiements de la photographie. 

Nadar, Photo poche,1997

Le journaliste, critique d’art, essayiste, auteur et caricaturiste Félix Tournachon dit Nadar (1820 – 1910) a fait des portraits pendant une courte période (entre 1854 et 1860), mais qui vont marquer l’Histoire de la photo. Travaillant à la lumière naturelle dans son atelier de la rue Saint-Lazare à Paris, il prend des clichés d’Alfred de Vigny, Théophile Gautier, Gérard de Nerval, Gustave Doré ou Baudelaire. Un « sentiment de la lumière » et un « côté psychologique » de la photographie qui ont créé son style désormais intemporel, essayant de capturer ses amis célèbres dans leur vérité et leur simplicité.  

William Eggleston, Portraits, National Portrait Gallery, 2016  

Son exposition emblématique de 1976 au MOMA de New York va consacrer la photo couleur, jugée vulgaire avant que ce grand photographe ne s’en empare. William Eggleston va expérimenter dès 1965 le film négatif couleur et en faire un art. Né en 1939 et originaire de Memphis (Tennessee), il va documenter la vie quotidienne du sud des Etats-Unis en faisant le portrait d’anonymes, de musiciens ou d’acteurs (comme Dennis Hopper ou Ike Turner). Ce livre contient notamment le premier portrait couleur, daté de 1965, celui d’un jeune homme poussant un caddy dans un supermarché : son style était né. 

Richard Avedon, Les Sixties, Plume, 1999  

Le portrait doit également beaucoup à Richard Avedon, grand photographe de studio, qui s’est essayé à ce genre après avoir exploré la photographie de mode (il fut notamment directeur de la photographie du Harper’s Bazaar de 1945 à 1965). Portraits solarisés des Beatles, de Black Panthers, d’habitués de la Factory d’Andy Warhol ou d’avocats des droits civiques : en noir et blanc ou en couleur, il va fixer cette période bouillonnante et libertaire dans des clichés plein de vie et de mouvement, envisageant le portrait comme témoin de son époque. 

Annie Leibotvitz, Photographien Annie Leibotvitz 1970-1990, Schirmer / Mosel, 1991  

Une des portraitistes les plus célèbres avec 50 ans de carrière, Annie Leibovitz a commencé comme photojournaliste pour le magazine Rolling Stone en 1970, et a collaboré depuis avec les grands magazines tels que Vanity Fair ou Vogue. Ses portraits de célébrités réalisés en noir et blanc et en couleur sont de véritables collaborations entre l’artiste et le modèle. Depuis 2017, ses archives sont conservées par la Fondation Luma – Arles.  

Judith Roy Ross, Photographies 1978-2015, Atelier EXB

Né en 1946, l’américaine Judith Roy Ross laisse une œuvre de portraits pris en dehors du studio. Réalisés à la chambre photographique au gré des rencontres, ses portraits concernent principalement les classes populaires et la jeunesse. Ces photographies, à l’opposé de tout sensationnalisme, renvoient une impression de profondeur, de douceur et de vérité. Première monographie en français consacrée à l’artiste, la publication accompagne la rétrospective organisée par le BAL en 2022. 

Les multiples usages et fonctions sociales du portrait  

Tom Wood, Mères, filles, sœurs, Textuel, 2019  

Le grand photographe irlandais Tom Wood (né en 1951) a réalisé pendant trente ans, des années 1970 aux années 1990, des portraits de familles. Il s’est focalisé plus particulièrement sur la filiation féminine, comme l’indique le titre de l’ouvrage. Ces portraits d’une grande empathie racontent la vie quotidienne de femmes de tous âges. Souvent prises dans la rue, devant des supermarchés, dans des espaces publics poussettes à la main, ou prenant la pose devant leurs habitations, elles révèlent avec une simplicité travaillée toute l’intimité de ces liens indéfectibles, entre complicité et protection mutuelle. 

Rineke Dijkstra, Portraits, Schirmer/Mosel, 2005  

L’artiste néerlandaise (née en 1959), connue pour ses portraits en couleur et en grand format, déroule une approche photographique sobre et minimaliste. Sa série « beach portraits » (1992-2002) est constituée d’adolescents posant en maillot de bain sur la plage, tandis que « new mothers » (1994) montre des femmes nues venant d’accoucher et portant leurs bébés. Les deux séries donnent à voir des personnages toujours photographiés de plein pied, comme ses portraits de soldats qui occupent frontalement l’espace devant des fonds gris anonymes. Une approche documentaire stylisée et distanciée qui a fait sa marque de fabrique. 

Anne Delrez, L’album étalon, Les Éditions de La Conserverie, 2016 

La Conserverie, dirigée par la photographe Anne Delrez (née en 1971), est à la fois un fonds iconographique dédié à la photo de famille, un lieu d’exposition, un centre de ressources et une librairie. Egalement éditrice, Anne Delrez a notamment publié L’album Étalon, un livre qui compile des photos aux bords dentelés d’anonymes et de leurs familles, clichés d’un quotidien en noir et blanc des années 50/60. Véritable radiographie d’une France populaire, ces portraits forcément amateurs sont le riche versant d’une photographie dénuée de toute prétention, si ce n’est de fixer des souvenirs paisibles d’une vie.  

Raynal Pellicier, Photomaton, Éditions de la Martinière, 2013  

La photographie d’identité pourrait être l’essence même du portrait, grâce à l’invention du photomaton. Breveté en 1925, il n’a cessé depuis de témoigner de nos existences, un usage populaire de la photographie transcendé dans ces cabines automatiques accessibles à tous. Cette « photographie sans photographe« , où l’on se retrouve face à soi-même, fut rapidement investie par les artistes, des surréalistes aux plus contemporains, en passant bien évidemment par les plasticiens pop comme Andy Warhol. Le livre propose plus de 300 images, d’anonymes, d’artistes ou de célébrités.  

En pratique, des guides pour réfléchir sa prise de vue 

Olivier Chauvignat, Les secrets de la photo de studio, Éditions Eyrolles, 2020

Olivier Chauvignat vulgarise dans ce guide illustré toutes les spécificités techniques propres à la photographie de studio : choix du matériel, mesure de l’exposition, utilisation de l’éclairage, du cadrage, de la perspective entre autres, jusqu’à comment diriger un modèle. Il envisage également la post-production et donne 20 exemples de « setups », du portrait de mode aux parties du corps. Un ouvrage qui peut s’adresser aux débutants. 

Rossella Vanon, L’éclairage pour la photo de mode et de portrait, Éditions Eyrolles, 2017  

Spécifiquement axé sur l’utilisation de la lumière en photographie, ce guide propose non seulement des conseils techniques tels que l’utilisation du flash et de la lumière naturelle, mais également des conseils concernant la création d’atmosphère (éclairage indirect, reflets ou clair-obscur) ou de « scénarios » en fonction du sujet abordé. Des photos analysées par l’auteure permettent aussi de se rendre compte de l’effet escompté. Didactique et richement illustré, il vous sera utile pour compléter votre formation de portraitiste en herbe. 

Milena Perdriel, Portrait corporate, Éditions Eyrolles, 2021

Ce livre aborde de façon complète et concrète toutes les facettes du « portrait corporate » ou « portrait d’entreprise », c’est-à-dire des photos réalisées en studio et destinées à figurer sur un CV, sur des cartes de visite, des réseaux sociaux, ou à donner une image professionnelle d’une entreprise. Celui-ci possède ses codes et techniques spécifiques que Milena Perdriel décortique, de la prise de vue à l’Editing et au post-traitement, tout en analysant ce marché particulier et important de la photo.

Dawoud Bey, On Photographing People and Communities, Aperture, 2019 / Mary Ellen Mark, On the portrait and the moment, Aperture, 2020

Ces deux ouvrages offrent une approche plus personnalisée des pratiques photographiques, à travers le regard d’artistes renommés. Dawoud Bey (né en 1953), connu pour ses portraits d’Afro-Américains dans les rues et Mary Ellen Mark (1940-2015), membre de l’agence Magnum, décortiquent de nombreuses photos, dont certaines devenues iconiques. Ils racontent ainsi leur création : une expérience unique dévoilant leurs secrets de fabrique, ou encore leurs intentions profondes. Ces deux ouvrages s’inscrivent dans une collection nommée « The photography workshop series », permettant de s’approcher au plus près du processus créatif des photographes. 

Identités sociales et de communautés

Le portrait peut avoir la valeur d’un témoignage d’une époque, d’une communauté particulière ou d’une classe sociale. Ici le visage se fait symbole ; la photographie dévoile un univers particulier avec ses codes, permettant de montrer à la fois une image de soi et une image du monde, qu’elle soit une reproduction fidèle ou onirique.

Le portrait documentaire  

August Sander, Hommes du XX^e siècle, Chêne/Hachette, 1980  

Le célèbre photographe allemand August Sander (1876-1964) avait pour ambition de chroniquer son temps de la façon la plus objective possible. Il s’est attaché à photographier par le biais de portraits les Allemands de l’Epoque Impériale, de la République de Weimar, de l’ère national-socialiste, jusqu’aux premières années de l’Allemagne de l’Ouest. Il voulait être le plus fidèle à la réalité, de façon obsessionnelle. Hommes du XXe siècle est le projet de sa vie ; il fonctionne comme un inventaire sociologique de toutes les classes sociales : mères de famille, travailleurs, industriels, sportifs, fonctionnaires ou artistes défilent devant son objectif, construisant une œuvre monumentale qui a fait date dans l’histoire de la photo.

Martín Chambi 1920-1950, Circulo de Bellas Artes, Lunwerg, 1990  

Le photographe quechua Martín Chambi (1891-1973) a pris plus de 45 000 photographies entre son studio de Cuzco et ses voyages à travers les Andes. Ses portraits des paysans dans leur vie quotidienne, leurs rites et leurs vêtements sont un témoignage social qui a contribué à rendre visible les identités des peuples indigènes du Pérou. Reconnu après sa mort, il est un des pionniers de la photographie latino-américaine. 

Voir aussi le livre Martín Chambi, fotografía, RM editorial, 2021

Dorothea Lange, Le cœur et les raisons d’une photographe, Seuil, 2002  

Dorothea Lange (1895-1965) est connue et respectée pour son travail mandaté par la Farm Security Administration (FSA) pendant la Grande Dépression aux Etats-Unis. Une pratique documentaire engrangeant des archives visuelles de ces années de crise, dont certaines images deviendront iconiques. Délaissant son activité de portraitiste de studio pour aller à la rencontre de ses compatriotes, elle va prendre en photo de nombreux anonymes subissant la précarité due à cette crise majeure du XXe siècle. Elle continua dans les années 50/60 à faire des portraits en Egypte, en Afrique du nord et en Asie, toujours dans ce même esprit documentaire et engagé, le plus proche de la réalité possible. 

Berenice Abbott, Portraits parisiens (1925-1930), Steidl, 2016   

Berenice Abbott (1898-1991), formée auprès de Man Ray, réalisa ces portraits parisiens dans son studio à Paris et se rendait parfois au domicile du client, comme pour James Joyce. Une galerie de gens célèbres issus du monde de la culture défila chez elle, tous plus ou moins liés à l’artiste. Citons par exemple André Gide, Jean Cocteau, Marie Laurencin ou Djuna Barnes, soit la crème intellectuelle de l’époque. C’était « la spontanéité et l’expression » qui l’intéressait avant tout, tentant de prendre en photo les gens quand « ils ne posaient pas« . Elle fit également connaître les œuvres d’Eugène Atget et de Lewis Hine. 

Max Armengaud, Antichambre, Analogues, 2015   

Né en 1957, Max Armengaud hante depuis plus de trente ans les institutions européennes avec sa chambre photographique, faisant inlassablement le portrait de toutes les personnes qu’il rencontre, dans des séries en noir et blanc et au format carré. De la simple femme de ménage au haut dignitaire, chaque personne est mise en situation de la même manière. Cette vision documentaire du portrait efface l’imaginaire souvent convoqué dans la représentation d’un pouvoir, d’une domination symbolique. Le palais de l’Élysée, le Vatican, l’Opéra de Paris mais aussi le Rugby Club Toulonnais ou le Mont-Saint-Michel sont ainsi radiographiés de façon minutieuse et sans affect. 

 Le portrait de rue  

Jamel Shabbaz, Back in the days, PowerHouse, 2001  

Photographe afro-américain né en 1960 à New York, Jamel Shabbaz est le premier photographe « street style » a avoir immortalisé la culture hip-hop des années 1980 dans son quartier de Brooklyn. Des photos couleur qui résument superbement la vitalité de ce mouvement naissant, où les codes et attitudes se fabriquaient dans la rue. Back in the days est un hommage respectueux et fidèle de cette communauté du breakdance et du rap. Chaque portrait exprime la créativité de chacun : pose étudiée bras croisés, look Kangol et lunettes Gazelle, chaines dorées et le « Boom Box » aux pieds… Toute une culture majeure se dévoilait alors avec candeur et fierté. 

Bruce Gilden, A complete examination of Middlesex, Archive of modern conflict, 2013  

Né en 1946 à Brooklyn, Bruce Gilden a photographié les gens de Londres dans la rue, à la recherche de « gueules », comme à son habitude. Mandaté en 2011 par le fonds « The Archive of Modern Conflict » (tout un programme), le portrait de rue évite ici toute pose ou discussion avec les individus, Gilden les photographiant au flash, à moins de deux mètres d’eux, sans fioriture. Des images en noir et blanc et couleur très rentre-dedans, mêlant brutalité et spontanéité, qui explosent également à notre visage. Une prise brute avec la réalité d’un quotidien capté dans la rue. 

Bruce Davidson, England/Scotland 1960, Steidl, 2014   

Photojournaliste et membre de l’agence Magnum, Bruce Davidson (États-Unis,1933) va rendre compte de la vie d’Anglais et d’Ecossais dans les années 1960, toujours dans sa veine sociale et politique. Marqué par l’œuvre d’Henri Cartier-Bresson, il va documenter dans un noir et blanc élégant le quartier de Spanish Harlem à New York (1966-1968) ou encore la lutte pour l’émancipation des Afro-Américains dans le sud des Etats-Unis (1961-1965), etc. Les images de ce livre procèdent d’une radiographie éclectique de la vie quotidienne d’Anglais et d’Ecossais, de la cérémonie de mariage aux travaux des champs, d’un après-midi à la plage aux scènes de rues. 

Nontsikelelo Veleko, Nontsikelelo Veleko photographe, Éditions de l’œil, 2007

Photographe sud-africaine née en 1977, Nontsikelelo Veleko capture en couleurs et dans la rue un instantané de l’identité noire et urbaine postapartheid. A la croisée de la photographie de rue et de la mode, son travail exprime le renouveau des nouvelles générations et des contre-cultures urbaines. Ses portraits sont photographiés en résonnance avec le décor politique et social de la ville.

Le portrait « engagé » et la photographie sociale  

L’intimité dévoilée 

Sarah Mei Herman, The Netherlands, Kahmann Gallery, 1980  

Sarah Mei Herman (Amsterdam,1980) tente d’exprimer dans ses portraits ce qui est de l’ordre de l’invisible : l’intimité, la tension émotionnelle entre deux personnes ou l’introspection. Ces portraits en couleur concernent en grande partie des adolescents ou des enfants en train de perdre leur insouciance. Comme souvent dans son travail, ceux-ci se montrent dans des poses figées, comme si ces arrêts correspondaient à une acmé émotionnelle. Souvent mélancoliques ou rêveurs, comme muets, ils flottent dans des espaces souvent naturels, soumis à notre regard. 

Petra Collins, Coming of age, Rizzoli International Publications, 2017

Coming of age traite de la féminité et du passage à l’âge adulte de cette jeune photographe, mannequin et directrice de la photo (Toronto, 1992) ; il se lit comme un journal intime de l’adolescence. Une variante d’un scrapbook formé par des photos de famille, des polaroids scannés, d’extraits de correspondances personnelles ou de textes qui l’ont inspirée. Cette première monographie teintée d’un onirisme bariolé est accompagnée d’un texte de Laurie Simmons sur la « culture Lolita » et de l’interview de Marilyn Minter sur le féminisme dans la mode et l’art.  

La tradition du portrait en studio a dépassé les frontières européennes ou américaines et s’est développée sur le continent africain, ou dans des pays comme l’Inde, offrant d’autres visions du monde. S’est développée en parallèle la pratique ambulante, permettant d’enregistrer de précieux documents de la vie quotidienne, hors des grandes villes.